Contempla «Olympia», de Édouard Manet, en París: una obra maestra del modernismo

Olympia no era un título mitológico. En el París de la década de 1860, ese nombre podía evocar la personalidad que se había forjado una cortesana, lo que hacía que el personaje de Manet resultara indudablemente moderno.

Manet terminó Olympia en 1863, pero el público la vio por primera vez en el Salón de 1865. Esa diferencia no ayudó en nada a suavizar el impacto.

A la mujer de Olympia se la suele identificar como Victorine Meurent, que también aparece en El almuerzo sobre la hierba de Manet. Más tarde se labró su propia carrera como pintora y llegó a exponer en el Salón.

En los desnudos recostados de épocas anteriores solía aparecer un perrito faldero como símbolo de fidelidad. Manet sustituyó ese símbolo por un gato negro alerta, lo que le dio un toque de energía nerviosa y tensión erótica.

La orquídea que llevaba Olympia en el pelo, la pulsera, la cinta que le rodeaba el cuello, las sandalias y el ramo situaban la escena en el París contemporáneo, en lugar de en un pasado clásico idealizado.

La reacción en 1865 fue tan hostil que los encargados tuvieron que vigilar de cerca a la multitud que se congregaba para burlarse del cuadro. Pocas obras de esa época provocaron tanta agitación entre el público.

En 1890, Claude Monet ayudó a organizar una suscripción pública para que el Estado francés pudiera adquirir Olympia. Esa campaña ayudó a convertir un cuadro escandaloso en patrimonio nacional.

Antes de llegar al Museo de Orsay, Olympia pasó por el Museo de Luxemburgo, el Louvre y el Jeu de Paume. Su sede actual es el resultado de un largo recorrido institucional.

Manet pintó Olympia en 1863, utilizando la estructura de los desnudos recostados anteriores, pero despojándolos de su carácter mitológico. En lugar de una Venus atemporal, nos mostró a una mujer contemporánea con signos reconocibles de riqueza, trabajo e intercambio. El resultado no fue solo una temática provocativa, sino un enfrentamiento directo con el París moderno.

El diálogo de este cuadro con la Venus de Urbino de Tiziano fue algo intencionado. Manet mantuvo la postura recostada, la figura del asistente y el escenario interior, pero les dio un significado totalmente distinto. Su desnudo no se adentra en la fantasía ni en la seducción; ella te devuelve la mirada con plena conciencia, lo que hace que el espectador se sienta de repente cohibido.

Cuando Olympia se presentó en el Salón de 1865, los críticos y los visitantes reaccionaron con burlas, enfado y pánico moral. A muchos espectadores les molestó menos el desnudo en sí que la sensación de que Manet había pintado a una trabajadora sexual de hoy en día sin idealizarla. Su iluminación plana, sus contornos marcados y sus pinceladas visibles hacían que la ruptura con el refinamiento académico resultara aún más evidente.

Lo que escandalizó a una generación se convirtió en algo imprescindible para la siguiente. En 1890, amigos y admiradores, entre ellos Claude Monet, ayudaron a recaudar fondos para que el Estado francés pudiera adquirir la obra. Ese rescate garantizó que Olympia siguiera siendo de titularidad pública en lugar de acabar en una colección privada.

Con el paso del tiempo, Olympia acabó representando un punto de inflexión decisivo en la pintura occidental. Manet rechazó la ilusión pulida, la alegoría edulcorada y la belleza heredada según los viejos cánones; en su lugar, presentó la vida moderna con todas sus incomodidades intactas. Por eso, hoy en día, ese cuadro no solo es famoso por el escándalo que causó, sino que también se considera uno de los puntos de partida más claros del arte moderno.

Édouard Manet (1832-1883) fue un pintor francés cuya obra sirvió de puente entre el realismo y los inicios del arte moderno. Aunque se le asocia estrechamente con la generación que inspiró el impresionismo, trabajó al margen de las exposiciones oficiales de ese movimiento y buscó una visión más aguda y provocadora del París contemporáneo, con temas extraídos de la vida urbana y la experiencia visual moderna. En Olympia, Manet utilizó pinceladas amplias, un espacio comprimido y marcados contrastes tonales para despojar al tradicional desnudo recostado de su carácter mitológico. El resultado fue deliberadamente moderno: un cuadro que obligaba a los espectadores a enfrentarse a cuestiones de clase, sexualidad, raza y la economía de la mirada. Este enfoque también da vida a El almuerzo sobre la hierba, «Un bar en las Folies-Bergère» y «El flautista», obras que también desafiaron las expectativas académicas. El legado de Manet no solo está en lo que pintó, sino en cómo lo pintó: aplanando las formas, dejando al descubierto la técnica y abriendo el camino a artistas desde Degas hasta Picasso.