Degas schuf zahlreiche Skulpturen, doch Die kleine Tänzerin im Alter von vierzehn Jahren war die einzige, die er zu Lebzeiten öffentlich ausstellte. Sein Debüt im Jahr 1881 wurde zu einem der umstrittensten Momente seiner Karriere.
Die von Edgar Degas zwischen 1878 und 1881 geschaffene „Kleine Tänzerin im Alter von vierzehn Jahren“ ist knapp 1 m groß, hat jedoch den Kurs der modernen Bildhauerei verändert. Ihre straffe Haltung, das gesenkte Kinn, die Wachsmodellierung und das echte Tutu verwandelten eine Pariser Ballettstudentin in ein eindrucksvolles Sinnbild für Disziplin, Jugend und gesellschaftliche Beobachtung. Ein Besuch im Musée d’Orsay wird durch eine reservierte Eintrittskarte oder eine Führung, die Degas’ Ballettwelt in ihren Kontext einordnet, zu einem noch intensiveren Erlebnis.
Sie finden es in den impressionistischen Galerien auf Ebene 5 des Musée d’Orsay in Paris.
Der Eintritt ist in der regulären Eintrittskarte für das Musée d’Orsay enthalten; es ist kein separater Pass erforderlich.
Degas’ Skulptur wirkt ganz anders, wenn man weiß, warum das Publikum von 1881 sie verstörend empfand. Die Eintrittskarten mit reserviertem Zugang für das Musée d'Orsay inklusive Audioguide, die Führung ohne Wartezeit durch das Musée d'Orsay, sowie die Führung zu den impressionistischen Meisterwerken im Musée d'Orsay bieten nützliche Einblicke in Degas, die Ballettkultur und die nahegelegenen impressionistischen Säle.
Beginnen Sie einige Meter entfernt, sodass die Skulptur als eine einzige vertikale Linie wahrgenommen wird: aufgerichtete Brust, angewinkelte Arme, fest auf dem Boden stehende Füße und angespannter Nacken. Bei diesem ersten Blick aus der Ferne wirkt die Steifheit der Tänzerin fast schon architektonisch, bevor man sich dem Gesicht und dem Kostüm nähert.
Die Seitenansicht verstärkt die Spannung des Werks. Aus diesem Blickwinkel lassen das vorgewölbte Kinn, die nach hinten gezogenen Schultern und die leicht nach vorne geneigte Beckenhaltung die Figur weniger dekorativ, sondern vielmehr diszipliniert, ja sogar erschöpft wirken.
Dies ist keine makellose, idealisierte Ballerina. Beachten Sie den Kontrast zwischen dem bronzenen Körper und den echten Kostümelementen – Tutu, Schleife und Ballettschuhe –, denn gerade dieses Aufeinandertreffen von Kunstobjekt und Alltagsmaterial war ausschlaggebend für die schockierende Wirkung der Skulptur.
Auf Ebene 5 herrscht vom späten Vormittag bis zum frühen Nachmittag der größte Andrang, wenn sich die Besucher um die Werke von Degas, Monet und Van Gogh drängen. Wenn Sie es ruhiger mögen, kommen Sie gleich zur Öffnungszeit oder nutzen Sie die Öffnungszeiten des Museums am Donnerstagabend; vermeiden Sie den ersten Sonntag im Monat, wenn Sie mehr Platz rund um die Skulptur haben möchten.
Nachdem Sie die Skulptur betrachtet haben, gehen Sie weiter durch die umliegenden Galerien mit Gemälden und Pastellbildern von Degas in den Impressionisten-Sälen. Wenn man seine Tänzer auf Papier und Leinwand sieht, die auf der Skulptur basieren, wird deutlich, wie er seine Beobachtungen aus dem Probenraum in Volumen, Körperhaltung und körperliche Anstrengung umgesetzt hat.
Degas schuf zahlreiche Skulpturen, doch Die kleine Tänzerin im Alter von vierzehn Jahren war die einzige, die er zu Lebzeiten öffentlich ausstellte. Sein Debüt im Jahr 1881 wurde zu einem der umstrittensten Momente seiner Karriere.
Das Model war Marie van Goethem, eine jugendliche Ballettstudentin, die der Pariser Oper angehörte. Degas wählte keine idealisierte mythologische Figur, sondern ein Mädchen aus der Arbeiterklasse des modernen Paris.
Degas modellierte das Werk ursprünglich aus Wachs, einem Material, das normalerweise mit Experimenten im Atelier in Verbindung gebracht wird, nicht jedoch mit vollendeten Meisterwerken. Durch diese Entscheidung wirkte die Figur unverfälscht, unmittelbar und beunruhigend lebensecht.
Er fügte ein echtes Mieder, ein Tutu, eine Schleife, Ballerinas und Echthaar hinzu. Diese Materialien verwischten die Grenze zwischen Skulptur und lebendem Körper auf eine Weise, wie es die meisten Betrachter des 19. Jahrhunderts noch nie gesehen hatten.
Viele frühe Kritiker beschrieben die Skulptur in scharfen, ja sogar grausamen Worten und interpretierten die Tänzerin durch die Brille der damaligen Klassenvorurteile. Die Arbeit zeigte, wie schnell die Zuschauer junge Darstellerinnen nach ihrem Aussehen und ihrem sozialen Status beurteilten.
Die Skulptur, die Sie in Paris sehen, ist ein Bronzeguss, der nach Degas’ Tod angefertigt wurde. Das ursprüngliche Wachsmodell blieb in seinem Atelier erhalten und wird heute separat aufbewahrt.
Nach Degas’ Tod im Jahr 1917 wurden von der Gießerei Hébrard Bronzeskulpturen nach dem Originalmodell gegossen. Diese Abgüsse brachten das Werk in bedeutende Museen auf der ganzen Welt und trugen dazu bei, seinen heutigen Ruf zu festigen.
Was einst als provokativ oder unangebracht galt, wird heute als radikale moderne Kunst anerkannt. Genau dieser Realismus, der die Kritiker von 1881 schockierte, ist ein Grund dafür, dass die Skulptur heute so aktuell wirkt.
Degas wählte Marie van Goethem, eine jugendliche Ballettstudentin mit Verbindungen zur Pariser Oper, als Vorlage für die Figur. Diese Entscheidung war von Bedeutung: Er schuf keine allegorische Muse, sondern eine echte Arbeiterin, die durch Ausbildung, Hierarchien und strenge Kontrolle geprägt war. Ballettstudenten im Paris des späten 19. Jahrhunderts nahmen eine schwierige gesellschaftliche Stellung ein – auf der Bühne bewundert, abseits davon beurteilt. Die Skulptur strahlt diese Spannung von Anfang an aus.
Zwischen etwa 1878 und 1881 modellierte Degas die Figur aus Wachs auf einem Gerüst und kleidete sie mit echten Stoffen. Anstatt die Oberfläche bis zur klassischen Perfektion zu glätten, ließ er die Modellierung lebendig und unregelmäßig. Das Kostüm und die Frisur verliehen der Tänzerin einen fast dokumentarischen Charakter, als wäre die Beobachtung direkt aus dem Buch hergetreten. Es war ein gewagter Schritt von einem Künstler, der eher für Pastell und Ölmalerei bekannt ist.
Als Degas die Skulptur 1881 auf der sechsten Impressionistenausstellung präsentierte, waren viele Kritiker eher beunruhigt als beeindruckt. Einige konzentrierten sich weniger auf den innovativen Charakter des Werks als vielmehr auf das Gesicht, die Körperhaltung und die Klassenmerkmale des Mädchens und interpretierten die Figur vor dem Hintergrund zeitgenössischer Ängste hinsichtlich Moral und städtischem Leben. Andere konnten Wachs, Stoff und Menschenhaar nicht als Ausdrucksmittel ernsthafter Bildhauerei akzeptieren. Die Kontroverse machte das Werk unvergesslich.
Degas ließ die Skulptur zu Lebzeiten nicht in Bronze gießen. Nach seinem Tod wurde das Originalmodell in seinem Atelier gefunden, und seine Erben genehmigten Bronzegüsse, die die Form bewahrten und gleichzeitig die Ausstellung und Untersuchung erleichterten. Diese Umgestaltung veränderte die materielle Präsenz des Werks, sicherte aber zugleich dessen Fortbestand. Der Abguss im Musée d’Orsay ist Teil dieser posthumen Geschichte.
Im Laufe der Zeit hörten Kritiker und Historiker auf, die Skulptur anhand der gesellschaftlichen Vorurteile von 1881 zu beurteilen, und begannen, ihre formale Kühnheit zu erkennen. Heute gilt es als Meilenstein der modernen Bildhauerei: psychologisch scharfsinnig, materiell experimentell und ungeschönt in Bezug auf Jugend, Arbeit und Streben. Es veränderte zudem das Bild, das die Betrachter von Degas selbst haben, und bewies, dass seine Ballettwelt weit über die sanfte Pastellwelt hinausreichte. In Paris gilt es heute nicht mehr als Kuriosität, sondern als eines der wichtigsten Werke des Museums.
Edgar Degas (1834–1917) war ein französischer Künstler, der dem Impressionismus zugerechnet wird, obwohl er Ateliers, Struktur und präzise Zeichenkunst der Spontaneität im Freien vorzog. Für „Little Dancer Aged Fourteen“ übertrug er die gleiche unerbittliche Beobachtungsgabe, die seine Ballettbilder auszeichnet, auf die Bildhauerei: Er modellierte eine junge Studentin der Pariser Oper aus Wachs und kombinierte diese mit echtem Stoff, Bändern, Ballettschuhen und Menschenhaar. Das Werk entstand aus jahrzehntelangen Beobachtungen von Proberäumen, der Arbeit hinter den Kulissen und flüchtigen Gesten – Themen, die auch Die Tanzklasse, The Rehearsal sowie viele seiner Pastellbilder von tanzenden Menschen in Ruhephasen prägen. Doch diese Skulptur geht über diese Bilder hinaus: Sie verleiht Spannung, Disziplin, sozialer Zugehörigkeit und Jugend ein greifbares Gewicht. Degas’ Experimente in den Bereichen Malerei, Pastellmalerei, Druckgrafik und Bildhauerei prägten die moderne Kunst neu, indem sie bewiesen, dass alltägliche Bewegungen eine tiefgreifende psychologische Kraft entfalten können; dieses Werk gilt bis heute als eines seiner kühnsten Statements in der französischen Kunst des 19. Jahrhunderts.
Degas stellte weder eine lächelnde Bühnenheldin noch eine triumphierende Darstellerin dar. Die gestreckte Brust, die angespannten Arme und der leicht nach vorne geneigte Kopf ergeben eine Haltung, die einstudiert, geübt und psychologisch auf der Hut wirkt.
Was die Zuschauer nach wie vor überrascht, ist das Zusammenspiel von plastischer Form und authentischen Kostümen. Bronze, Stoff, Bänder und Pantoffeln erzeugen einen visuellen Kontrast, der die Figur sowohl als Kunstobjekt als auch als soziales Dokument erscheinen lässt.
Beachten Sie das Kinn, den Mund und den starren Gesichtsausdruck. Degas vermeidet schmeichelhafte Weichheit und zwingt Sie dazu, die Tänzerin als Individuum und nicht als dekoratives Symbol des Balletts wahrzunehmen.
Das ist weder ein Sprung noch eine Pirouette. Degas fängt die Stille vor der Bewegung ein – jene Haltung, die durch Wiederholung, Ermüdung und Korrektur entsteht – und verleiht der Skulptur dadurch eine ungewöhnliche emotionale Tiefe.
Bei dieser Skulptur geht es ebenso sehr um das Paris des 19. Jahrhunderts wie um den Tanz. Ihr Kostüm, ihre Körpersprache und ihre Jugend verweisen auf die strenge, von Konkurrenz geprägte Welt der Pariser Oper und den sozialen Druck, dem junge Tänzerinnen ausgesetzt sind.
Anstelle von heroischen Darstellungen aus poliertem Marmor zeigte Degas ein Mädchen seiner Zeit, das mit rauen Oberflächen und beunruhigendem Realismus dargestellt wurde. Diese Entscheidung trug dazu bei, den Weg für das Interesse der modernen Bildhauerei an alltäglichen Motiven, instabilen Materialien und psychologischer Wahrheit zu ebnen.
Nein. Der Eintritt ist im Preis für das Musée d’Orsay enthalten; Tickets für den reservierten Zugang zum Musée d’Orsay sind die einfachste Option für einen Besuch auf eigene Faust.
Im Musée d’Orsay, 1 Rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris, in den Impressionisten-Sälen auf Ebene 5.
Nein. In Paris ist ein Bronzeguss zu sehen; Degas’ Original wurde aus Wachs modelliert und mit echtem Stoff, Bändern, Pantoffeln und Echthaar bekleidet.
Kritiker empfanden den Realismus als beunruhigend. Viele reagierten zudem mit Vorurteilen gegenüber der sozialen Schicht auf Degas’ unidealisierte Darstellung einer jugendlichen Ballettschülerin.
Ja. Sowohl die Führung durch das Musée d'Orsay ohne Wartezeit als auch die Führung durch das Musée d'Orsay zu den Meisterwerken der Impressionisten bieten fachkundige Einblicke.
Ja, ohne Blitz. Stative, Selfie-Sticks und professionelle Ausrüstung sind in den Ausstellungsräumen nicht gestattet.
Kommen Sie zur Eröffnung oder am Donnerstagabend vorbei. Auf Ebene 5 herrscht vom späten Vormittag bis zum frühen Nachmittag der größte Andrang.
Ja. Das Museum verfügt über Aufzüge, barrierefreie Toiletten und Rollstühle, die auf Anfrage gegen Vorlage eines Ausweises zur Verfügung gestellt werden.
Orsay Museum Reservierte Eintrittskarten
Kombitickets: Musée d'Orsay + Bootsfahrt auf der Seine
Kombitickets: Musée d'Orsay mit Audioguide + Musée d l'Orangerie
Kombitickets: Musée Rodin mit Schnelleinlass + Musée d'Orsay mit Audioguide